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Pasión cocodrilesca

Por Néstor Ramírez Vega

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“El Gran Cocodrilo” Efraín Huerta. Fuente: CONACULTA

El pasado miércoles se celebró el centenario del natalicio de Efraín Huerta, uno de los máximos poetas del siglo XX, impulsor del cocodrilismo, corriente literaria que explota el optimismo, la alegría, la crítica, el odio y la burla.

Autor de Estrella en Alto y El Tajín, logra que en cada uno de sus poemas haya una mezcla de humor, alegría y odio, los cuales revelan la existencia y las acciones del ser humano. Ejemplo de esto se ve en su obra de 1944, Los Hombres del Alba. 

En Los Hombres del Alba se encuentran una serie de poemas, entre los que destacan Teoría del Olvido, El amor, Declaración de Odio Declaración de Amor. Cada uno de ellos trata diferentes formas, aunque siempre está la figura del alba, así como otros elementos de la naturaleza como la tierra o el cielo.

En El Amor, Huerta ofrece al lector toda una historia, una explicación de las maravillas que logra hacer ese sentimiento. “Se parece a la lluvia lavando viejos árboles,/resucitando pájaros. Es blanquísimo y limpio/larguísimo y sereno: veinte sonrisas claras, / un chorro de granizo o fría seda educada”.

A pesar de las referencias a la naturaleza que encontramos similar a la utilizada en el romanticismo, Huerta busca que dichas referencias también se acerquen a los hechos, a las acciones y actitudes de las personas, incluso que exista un receptor que el lector puede desconocer.

“Te busco por la lluvia creadora de violencias, / por la lluvia sonora de laureles y sombras, / amada tanto tiempo, tanto tiempo deseada, / finalmente destruida por un alba de odio”.  Amor y odio, violencia y creación. Dialéctica de sentimientos, pasiones, naturaleza, etc.

Declaración de Odio inicia con un lenguaje netamente metafórico, pero tras la primera pausa se aborda una dura crítica a la injusticia imperante en la ciudad. Sin embargo, no sólo es eso, sino se habla de un lugar incluyente, donde coinciden seres de todo tipo: “Amplia y dolorosa ciudad donde caben los perros, / la miseria y los homosexuales, / las prostitutas y la famosa melancolía de los poetas, / los rezos y las oraciones de los cristianos. / Sarcástica ciudad donde la cobardía y el cinismo son alimento diario/ de los jovencitos alcahuetes de talles ondulantes, / de las mujeres asnas, de los hombres vacíos”.

“Ciudad negra o colérica o mansa o cruel, / o fastidiosa nada más: sencillamente tibia./ Pero valiente y vigorosa porque en sus calles viven los días rojos y azules/ de cuando el pueblo se organiza en columnas, / los días y las noches de los militantes comunistas, / los días y las noches de las huelgas victoriosas, / los crudos días en que los desocupados adiestran un rencor / agazapados en los jardines o en los quicios dolientes”. Un lugar lleno de contrastes, donde todo es posible y donde las cosas pueden tener un inicio y un final en cualquier momento, en cuestión de un abrir y cerrar de ojos. Donde en cuestión de horas hay grandes cambios, con pasos agigantados con la ayuda del vecino del norte.

Un odio puro. Un odio que se mezcla con un amor y una admiración. Una adoración en la que cabe hasta lo más desagradable. Una ciudad formada por los hombres del alba y del ocaso.

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La tragicomedia villanesca de Peribáñez

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Peribáñez y el comendador de Ocaña es una obra escrita por Lope de Vega a inicios del siglo XVII. Reconocida como una de sus obras mejor logradas, después de su magnánimo  caballero de Olmedo, esta tragicomedia trata sobre la vida de Peribáñez y su esposa Casilda, quien de forma involuntaria enamora al comendador de Ocaña (Fadrique), persona que hará todo lo posible por separar el matrimonio de los villanos.

El término villano no se refiere a un adjetivo calificativo con valor negativo, pues en aquellos tiempos villano era aquel que vivía en las villas y respondía a las peticiones de un superior (señor feudal, comendador, rey), como es el caso de Peribáñez. El darles a los villanos una gran importancia es uno de los aciertos y avances que hace Lope de Vega en el teatro, pues da fuerza al rompimiento de hablar únicamente sobre la realeza o el círculo de la corona española.

La obra de Peribáñez y el comendador de Ocaña es un fiel reflejo sobre la época, basada incluso en hechos reales como la corte que mandó convocar Carlos III antes de su muerte. La mezcla de la clase pobre (villanos) y la nobleza (comendador y reyes) permite manejar la obra no sólo como tragedia o como una comedia, sino como un simbionte en el cual se pueden experimentar tanto momentos alegres y de risa, como de tristeza, preocupación y expectación.

El amor, el valor y el honor forman un eje que estará presente en cada momento de la obra, ya sea a través del amor sincero de Casilda y Peribáñez o el desgraciado del comendador con Casilda; del valor que tenía Peribáñez ante los problemas; del honor y la lealtad del joven villano con sus superiores, al grado de actuar siempre de acuerdo a los mandatos de ellos, etc.

Sin embargo, algo que queda muy claro es el abuso del poder, acto reflejado con las medidas que toma el comendador para poder ver a Casilda, incluso mandando a su esposo a otro pueblo, a la cabeza de un batallón, sólo para poderse quedar con la joven y bella Casilda.

Peribáñez y el comendador de Ocaña, junto con Fuenteovejuna El caballero de Olmedo forman un triángulo en el que se puede conocer los giros de la vida y el mismo poder en el siglo XVI y XVII. En otras palabras, es una tragicomedia donde el amor y el honor de las personas es más fuerte que la envidia y la traición familiar.

El laberinto de Asterión

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Asterión en su laberinto. Imagen tomada de: http://mitologia-elemental.blogspot.com

Por Néstor Ramírez Vega

La Casa de Asterión es un relato que se encuentra dentro del libro El Aleph del argentino Jorge Luis Borges. El personaje principal es Asterión, un minotauro solitario que habita en un laberinto.

El relato se divide en dos partes. En la primera, el minotauro presenta su hogar y todo lo que hace en él para distraerse, al grado de crear otro Asterión para poder hablar y jugar. Sólo cada nueve años entra un grupo de personas para “que yo los libere de todo mal”, comenta Asterión en su explicación.

El tema de la soledad se vuelve el eje del relato de La Casa de Asterión debido a la constancia con la que se refiere a ella. Al mencionar “(…)Otra especie ridícula es que yo, Asterión, soy un prisionero” se ve la forma en que él se mira a sí mismo, un prisionero de la vida pues, por su condición de minotauro, tampoco se puede acercar a las personas.

Durante el monólogo de Asterión, y característico de Borges, se presenta en diversas ocasiones el número catorce, también representado con el infinito. Se puede interpretar como un deseo por sufrir una transformación, de liberarse de ese sitio que es denominado como su hogar. Por eso, cuando una persona profetizó que algún día llegaría una persona que terminaría con la vida del minotauro, vio una esperanza, una transformación a partir de la muerte, tal y como pasa con la figura de Jesucristo en la Biblia. La salvación.

La ilusión y promesa de que hay alguien que terminará con la vida de Asterión rompe con la vida de soledad en la que estaba el minotauro y a partir de ese comentario es que Asterión vuelve nuevamente a soñar, a tener fe en que todo cambiará y se librará de ese infinito de pasillos en el que se encuentra.

La segunda parte consta de sólo unos pares de oraciones y se refiere a Teseo, el hombre que asesina a Asterión. “-¿Lo creerás, Ariadna? -dijo Teseo-. El minotauro apenas se defendió”, es el remate del relato y deja de forma muy explícita el deseo de Asterión: (14) morir en una cruz para ascender a otro lugar fuera de esos pasillos y esas galerías que formaban la casa, el laberinto de Asterión.

 

 

 

PD: Saludos, estimados lectores. Debido al abandono de crónicas sobre la ciudad estoy en la construcción de un nuevo espacio. El nombre, Laberinto cultural y será exclusivo de temas culturales. Los invito a que me comiencen a seguir por allá. Muchas gracias y buenos deseos para todos.

http://laberintocultural.wordpress.com/

Se acabó la rabia

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Por Néstor Ramírez Vega

Se acabó la rabia es un relato escrito por Mario Benedetti que se encuentra en el libro Puentes como liebres y otros cuentos y en Montevideanos. El cuento escrito en tercera persona gira en torno a Fido,  un perro que tiene gustos y placeres y que habla sobre lo que sucede dentro de casa.

El título pareciera haber sido escrito con el propósito de un doble significado pues el término “rabia” suele referirse a la enfermedad contagiosa que pueden adquirir los perros, así como a una ira incontrolable de una persona, causada por un motivo de gran calado.

El relato puede verse desde dos ópticas, una más duradera que la otra: desde el punto de vista de Fido y la del dueño. La de Fido es más explícita pues el narrador se centra en él, lo que permite al lector ingresar a la psiqué del canino y a su cariño por su amo. Desde el punto de vista del dueño se puede apreciar la rabia como ira al enterarse de lo que sucedía con su mujer, lo que hace más verosímil a la lectura.

Cuando el hombre conocido como el Otro ingresa a la casa, Fido se convierte en el único espía, quien está dentro del hogar, el que ve todo, el único testigo de la infidelidad. Es por eso (y por el peso que le dio Benedetti en el cuento) que Fido se vuelve el personaje principal; sin embargo, en el relato, además de ser un guardián también se vuelve en un estorbo, en algo incómodo que tiene placeres y pensamientos propios.

Un factor que permite adentrarnos a la óptica de Fido son los guiones y los paréntesis. Algunos dando características y otros los cuestionamientos lógicos que se podría hacer Fido ante ciertos actos o expresiones de los humanos. Todo esto antropomorfiza a Fido al grado de cumplir la máxima de “el mejor amigo del hombre”.

Sin embargo, es esa misma metamorfosis la que da un impulso al relato y que hace que el final sea de un mayor impacto para el lector, al grado de llegar a la estupefacción por la forma en que el hombre vacía toda su rabia. Parafraseando lo que escribió Benedetti en el relato, el pecado de Fido fue ser viejo, fiel y confiado.

Aquí el link del cuento Se acabó la rabia

 

http://www.literatura.us/benedetti/acabo.html

 

 

Las batallas en el desierto

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Las Batallas en el Desierto / José Emilio Pacheco / Editorial Era / 68 páginas

Por Néstor Ramírez Vega

Un libro que se volvió obligatorio en las escuelas de México fue una pequeña novela publicada en 1981 y que tiene por título Las Batallas en el Desierto, cuyo autor, José Emilio Pacheco, se situó en los altares de las letras mexicanas junto a Carlos Fuentes y Carlos Monsiváis.

Las Batallas en el Desierto cuenta la historia de Carlos, un niño que vive en la colonia Roma y que pertenece a la clase media. Su amigo, Jim, le toma aprecio y lo invita a su casa. Es ahí donde Carlos conoce a Mariana, madre de Jim, y se enamora de su belleza, buen trato y comprensión.

Carlos es un niño que está creciendo en un México donde su padre, quien es dueño de una fábrica de jabón, puede perder su trabajo por la llegada de los detergentes provenientes de Estados Unidos. Todo viene de norteamerica, hasta las revistas que Mariana le regala a su hijo, quien las lee en inglés.

Gran acierto de Pacheco permitir a los lectores que pudieran conocer cómo se fue gestando la urbanización durante el gobierno de Miguel Alemán: la escuela de Carlos, la casa de Mariana y Jim, los negocios y la gran ola americanizadora proveniente de Estados Unidos, que influyó hasta en el lenguaje.

Una modernización se palpa en la obra. Los términos como el Ok, los hot dog y los bisnes que provienen de Estados Unidos se adoptan a la lengua mexicana. Sin embargo, y como bien se plasma en la obra, no se pronuncian bien; por lo que tanto niños como adultos deben estudiar aprender inglés.

La lengua, las casas, las familias, la comida, la ciudad, todo cambia en un mundo en el que los niños se dividen entre los que juegan a las batallas en el desierto, la pelea entre árabes y judíos, y los juguetes modernos que apenas y llegaban al país.

A pesar de los cambios que llegan al país, siguen viviendo fantasmas que nacieron tras la institucionalización de la revolución: la corrupción, la burguesía, los favores políticos. Es así como conviven entre sí dos vidas en México: los fantasmas del pasado y las ilusiones de la vida mejor.

A través de esa convivencia entre pasado y futuro es como unos llegarán a tener una vida mejor (como la familia de Carlos, quienes vuelven a tener una vida llena de lujos) o una vida llena de pobreza (como la de Rosales, quien vende chicles para ayudar a su mamá). Sin embargo, el fantasma de la revolución institucional permanecerá ahí, silenciando y desapareciendo, incluyendo los recuerdos, de quienes lo critican, como pasa con Mariana, el primer amor de Carlitos.

97 años de Juan Rulfo

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Juan Rulfo, referente literario de escritores como Gabriel García Márquez y Margo Glantz. Imagen: elindependiente.mx

Por Néstor Ramírez Vega

Juan Rulfo, considerado uno de los máximos escritores contemporáneos en México y latinoamérica, cumpliría 97 años el próximo viernes 16 de mayo. Rulfo es el autor de tres libros que marcaron un antes y un después en las letras hispánicas y la cultura mexicana: Pedro Páramo, El Llano en Llamas El Gallo de Oro y otros Textos para Cine.

El Llano en Llamas es una compilación de relatos de su autoría que fueron escritos en diferentes momentos de su vida. Cada uno de ellos ofrecen al lector múltiples lecturas, una paleta de colores que se mezclan entre sí hasta el punto de dibujar el ambiente y el aire que corre a través del llano que siempre estará presente en sus relatos.

Rulfo nació en Sayula, Jalisco, en el año de 1917. Su vida estuvo marcada por muchas desgracias, comenzando por haberse criado bajo la época de la Revolución Mexicana y, posteriormente, durante la Guerra Cristera, mejor conocida como la Cristiada. Estos temas fungen como piedra angular en su obra, la cual nos describe  los últimos momentos de esos conflictos bélicos y las consecuencias que éstos tuvieron a nivel nacional.

El libro comienza con Nos han dado la tierra, publicación que habla sobre un grupo de personas al que el gobierno le ha obsequiado una gran parcela de tierra como triunfo de la revolución. Sin embargo, esa tierra será un llano, tierra infértil, lugar donde nada nace por la carencia de agua y desinterés del gobierno local.

El movimiento revolucionario ha caído en lo que ellos criticaban; la corrupción ha llegado al poder y lo que menos interesa es el pueblo. Cuando hay terrenos más prósperos para la agricultura y la ganadería, la gente del campo no puede aspirar a ella, sino a las peores tierras, las cuales deben trabajar hasta el último momento de su vida, sacrificando lo que se pudieron llevar de su pasado.

Esos sacrificios que harán en la vida real los personajes continúan en cada una de las narraciones presentes del texto: unos sacrificarán gallinas, otros su familia y algunos más sus sueños. Lo único que tienen segura es la tierra que pisan pues el lugar donde los alcanzará la muerte puede ser cualquier lugar, el llano, el camino o frente a una virgen milagrosa, cuyos ojos curará con la muerte la vida de un enfermo.

Es que la gente es tan pobre que una vaca es el único patrimonio que tiene la familia del relato Es que somos tan pobres; en la que el animal simboliza el futuro de la hija de un señor. Al ser arrastrado el animal por la corriente del río, el futuro de la pequeña es arrollado, corre junto con las aguas del río. El padre no quiere que la hija sea una piruja como su hermana, pero pareciera ser lo único que le queda a la familia. El destino de la descendencia de la familia.

La pobreza del pueblo y la muerte como tema y característica de la gente está presente en todos sus textos. En Pedro Páramo no hay gente viva, todos están muertos y hambrientos por el trato y los excesos de su cacique Pedro Páramo. La muerte va de la mano de la pobreza y el caos dejado por los movimientos bélicos de la primera mitad del siglo XX.

Huérfano de padre y madre a los 11 años y escapando de los estragos de la Cristiada es como vive Juan Rulfo sus primeros años. El orfanatorio al que ingresó, lo único que le dejó fue una depresión que jamás pudo curar. Al huir del conflicto armado es como cae en la pobreza y en la búsqueda de trabajo desde joven. Pobreza y muerte, dos elementos en latencia en la vida y obra de Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Vizcaíno.

Maestros de maestros

Por Néstor Ramírez Vega

La partida de Gabriel García Márquez dejó un vacío en el mundo de las letras desde hace nueve días. Su muerte se suma a las bajas que ha tenido la literatura latinoamericana en el último año, además de ser uno de los últimos grandes exponentes del siglo XX. Una terrible pérdida. Una pérdida que difícilmente se superará.

El Gabo no era cualquier escritor, y eso lo sabían otros grandes escritores desde sus inicios tanto en el periodismo como en la literatura. Incluso, ahora, se le ha llegado a comparar con el padre de las letras hispánicas, Miguel de Cervantes y Saavedra, quien murió hace 398 años.

Todo escritor, y escribidor, se tiene que remontar en algún momento a Cervantes para aprender un poco de él, ya sea cuestión de estilo, vocabulario o simplemente admirar su obra y conocer cómo era el mundo  a finales del siglo XVI e inicios del XVII. La literatura posee una característica especial que le permite trascender en el mundo, la atemporalidad.

La atemporalidad le permitirá que sea leída en cualquier momento incluso sin importar el lugar. Une mundos y mantiene aún ciertas características esenciales del lugar.

Los maestros de los maestros, algo que siempre habrá. En el caso de García Márquez, y de escritores como Carlos Fuentes y José Emilio Pacheco, entre otros,  encontramos que sus maestros fueron Cervantes, Juan Rulfo, Jorge Luis Borges e incluso, aunque no fuese en habla hispana, William Faulkner, Premio Nobel de Literatura 1949.

Además, si algo tienen en común Rulfo, Faulkner y García Márquez es que fueron capaces de crear mundos con palabras: Comala, Yoknapatawpha y Macondo, respectivamente. Mundos que vivieran su propio tiempo y con sus mismas leyes. Mundos que tenían sus propios problemas y sus propias clases. Mundos que nos remontarían a la literatura de un gran escritor, pero éste de origen francés: Honoré de Balzac.

Descripciones, juegos de palabras y de tiempos, metáforas, descripciones. Lo que hacen no es copiar, sino perfeccionar sus técnicas y, simultáneamente, a la literatura. Los alumnos se vuelven maestros y la nueva pelea es entre maestros, entre qué obra trascenderá más que las demás.

El amor al conocerse así mismo

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Por Néstor Ramírez Vega

Un autor que siempre dará mucho de qué hablar, y no precisamente por la calidad de sus publicaciones, es Paulo Coelho, un autor menor quien ha ganado varios premios como el Kiklop o I Premio Álava en el Corazón. Sin embargo, cabe señalar que esos reconocimientos han sido debido a las ventas que han registrado sus libros.

Como reto semanal me propuse leer un libro de Coelho y el que elegí, por cercanía, es uno titulado El Zahir; título, al igual que El Aleph, utilizado en uno de los relatos de Jorge Luis Borges. La historia es sencilla: una periodista desaparece sin dar noticia a su esposo, quien piensa que lo ha abandonado por un informante que responde al nombre de Mikhail (joven que dice escuchar una voz suprema). Sin embargo, el amor del escritor por Esther (periodista) hará que éste emprenda un viaje en la búsqueda de ella.

El estilo de Coelho es bastante simple, lo cual facilita la lectura y no suele sorprender al lector. Sin embargo, uno de sus aciertos es que sabe a qué tipo de público escribe y traduce para ellos lo que es su punto de vista de temas como el amor, la perseverancia y el auto conocimiento.

En este libro pareciera que el autor sufriera un momento de catarsis y se pone él mismo como personaje principal (de hecho carece de nombre). Sus libros no aceptados por la crítica, son un ejemplo de lo antes citado; sin mencionar el nombramiento de otros autores como Borges o Dante.

En el contenido se pueden encontrar varios temas que pueden interesar al lector: el amor, el auto conocimiento, la obsesión y los temas sobre santidad. Sí, santidad pues, aunque no están explícitos, las alegorías que hace a pasajes bíblicos son bastantes. El caso más claro está cuando habla de Juana de Arco, declarada santa por escuchar voces divinas.

Las reflexiones plasmadas en la obra no son novedosas. Por ejemplo: ¿si no te has acercado a eso cómo sabes que no te gusta o cómo puedes criticarlo?, si amas algo déjalo ir e incluso amor es también admiración y luchar por su felicidad.

El Zahir de Coelho es ideal para todos aquellas personas que se introducen al mundo de la literatura, que pasan por un momento difícil o que necesitan ir en busca no de un Zahir (como el protagonista con Esther), sino de sí mismos para poder darse cuenta que no hay imposibles y que si el lector se lo propone puede alcanzar sus metas.

 

 

PD: Por cuestiones personales el pasado lunes no pude actualizar el blog. Una disculpa a todos ustedes.

En la vida que siempre tuya fue

 

En la vida que siempre tuya fue,
Laura divina, y siempre lo será,
la Parca fiera, que en seguirme da,
quiso asentar por triunfo el mortal pie.

Yo de su atrevimiento me admiré,
que si debajo de su imperio está,
tener poder no puede en ella ya,
pues del suyo contigo me libré.

Para cortar el hilo que no hiló,
la tijera mortal abierta vi.
-¡Ay, parca fiera! -dije entonces yo-.

Mira que sola Laura manda aquí.
Ella corrida al punto se apartó.
Y déjame vivir sólo por ti.

 

Sor Juana Inés de la Cruz

 

Saludos a todos mis estimados lectores. Esta noche sólo les quiero compartir este hermoso poema del Fénix de América, Sor Juana Inés de la Cruz. A todas las mujeres en el Día Internacional de la Mujer les quiero felicitar y agradecer por hacer de este mundo un mundo más igualitario. La meta, una vida libre de violencia y donde vivamos en convivencia hombres y mujeres, sin importar credos, colores ni preferencias.

Sexo y castidad londinense

Chesil Beach

Por Néstor Ramírez Vega

Chesil Beach es una novela de Ian McEwan publicada en la colección Compactos, de Anagrama. El libro gira entorno a Florence y Edward, una pareja de recién casados a mediados del siglo XX en Londres.

Hace años terminó la Segunda Guerra Mundial y las vidas no han vuelto a la normalidad desde entonces. Hay ciertas acciones y comportamientos que aún se siguen realizando; tales como escuchar el noticiario nocturno en la radio, guardar la compostura en una relación juvenil y, sobre todo, no tener relaciones sexuales antes del matrimonio.

Edward está temeroso, nervioso y ansioso por romper su castidad. A Florence le da miedo y asco el ser penetrada. Durante la trama del libro se vuelve en varias ocasiones a la imagen de la espada que se inserta en un cuerpo. La boca de Florence que es invadida por la lengua de Edward es la antesala al acto sexual, hecho sobre el cual gira la novela.

El conservadurismo del siglo XX es importante para poder comprender y apreciar la historia alterna de la novela. La prohibición del sexo. El no practicarlo antes del matrimonio por ser considerado una falta grave, al grado de que quienes lo cometían eran señalados y mal vistos dentro de la sociedad; aun peor si el hombre ayudaba a la mujer en acciones que eran consideradas propias de las féminas.

Precisamente Florence y Edward se vuelven adultos en unos años de grandes cambios a nivel internacional: la llegada de la música rock y los Beatles, el ascenso político del Partido Laborista en Londres e incluso la apertura sexual en la juventud, mismo que chocaba con la educación que los recién casados habían recibido en casa.

En Chesil Beach el lector puede darse cuenta del rompimiento cultural que hubo desde los años de la Guerra Fría y que se ha ido consolidando hasta nuestros días. De cómo es que las tradiciones cambian y se adaptan a los tiempos y las exigencias tanto de los adultos como de los jóvenes, en quienes reposa el futuro a través de acciones como el derecho a votar.

Chesil Beach nos puede dirigir a la película Philomena, de Stephen Frears. En ambas, el papel que juega la vida sexual durante la juventud es exquisito, pero que tiene severas consecuencias posteriormente. Sin embargo, el valor y peso del libro de McEwan es que nos permite ver al sexo como pecado, un derecho, una obligación e incluso como la muestra única de amor.